गेल्या दशकात कधीतरी, इंटरनेटवर लॉग इन केल्यावर सिटी पॉप संगीताचा सामना झाल्याशिवाय राहणे जवळजवळ अशक्य झाले होते.
कदाचित ते चमचमणाऱ्या सिंथेसायझर्स आणि स्लॅप बेसच्या संगीताने सजलेल्या टिकटॉक क्लिपमधून तुमच्यापर्यंत पोहोचले असेल. कदाचित टोकियोमधून रात्री उशिरा केलेल्या ड्राईव्हच्या फुटेजवर आधारित व्हिडिओमध्ये ते दिसले असेल. किंवा कदाचित एके दिवशी तुम्हाला मारिया ताकेउचीचे “प्लास्टिक लव्ह” ऐकायलाच हवे, असे यूट्यूबने ठरवले असेल. लोकांना ते कसेही सापडले असले तरी, ते ऐकत राहिले.
कदाचित तुम्ही आनरीला पहिल्यांदा असेच ऐकले असेल. या जपानी पॉप स्टारची ४८ वर्षांची कारकीर्द आता संगीत ऑनलाइन कसे पसरते याचे एक उत्तम उदाहरण आहे, जिथे अनेक दशकांपूर्वी प्रदर्शित झालेली गाणी हजारो मैल दूर अचानक नवीन श्रोते मिळवू शकतात.
देशात, ही ६४ वर्षीय गायिका एक प्रसिद्ध व्यक्तिमत्व आहे, जिच्या विविध प्रकारच्या गाण्यांमध्ये डान्स-पॉप, न्यू जॅक स्विंग आणि बॅलड्री यांचा समावेश आहे. तिचे १९८३ मधील गाजलेले “कॅट्स आय” हे गाणे ओरिकॉन सिंगल्स चार्टवर अव्वल ठरले, तर त्याच वर्षीच्या “टायमली!!” पासून सुरू झालेल्या तिच्या अनेक अल्बम्सनीही तेच यश मिळवले. नंतर ती जपानच्या पॉप-संस्कृतीचा एक अविभाज्य भाग बनली, जिथे ती जाहिराती, दूरदर्शन कार्यक्रम आणि १९९८ च्या नागानो हिवाळी ऑलिम्पिकच्या समारोप समारंभातही दिसली, जिथे तिने सादरीकरण केले.
तथाकथित ‘सिटी पॉप’च्या पुनरुज्जीवनाला सुमारे १० वर्षे उलटल्यानंतर, आनरीची परदेशातील लोकप्रियता आता केवळ एक क्षणिक इंटरनेट आकर्षण वाटत नाही. सुरुवातीला अल्गोरिदम-चालित नॉस्टॅल्जियाची आणखी एक लाट वाटणारी ही गोष्ट आता अधिक स्थिर झाली आहे: श्रोत्यांची एक तरुण पिढी १९७० आणि ८० च्या दशकातील जपानी पॉप संगीताला केवळ एक नवीन गोष्ट म्हणून न पाहता, एक प्रमाणभूत कलाकृती म्हणून अधिक मानत आहे.
तात्सुरो यामाशिता आणि तिची जुनी मैत्रीण मारिया ताकेउची यांसारख्या कलाकारांसोबत, आनरी या विकासाच्या केंद्रस्थानी आहे. स्ट्रीमिंग सेवांनी तरुण श्रोत्यांना फंक, डिस्को आणि पॉपच्या त्या परिष्कृत संगमाची ओळख करून दिली, ज्याने निर्माता तोशिकी कादोमात्सुसोबतच्या तिच्या १९८० च्या दशकाच्या सुरुवातीच्या कामाची ओळख निर्माण केली. “लास्ट समर व्हिस्पर,” “शायनेस बॉय” आणि “आय कॅन्ट स्टॉप द लोनलीनेस” यांसारखी गाणी केवळ सिटी पॉपमध्येच नव्हे, तर जपानच्या व्यापक संगीत इतिहासात प्रवेशद्वार ठरली.
एप्रिलमधील एका संध्याकाळी, एका खाजगी कॉर्पोरेट कार्यक्रमापूर्वी, द प्रिन्स पार्क टॉवर टोकियो येथील तळघरातील ड्रेसिंग रूममधून अनरी (जिने गोपनीयतेच्या कारणास्तव आपले खरे नाव कधीही अधिकृतपणे उघड केलेले नाही) ‘द जपान टाइम्स’ला सांगते, “प्रत्येकजण माझे संगीत ऐकत आहे आणि त्यांना ते इतक्या उत्कटतेने आवडते, यासाठी मी खूप आभारी आहे.”
या नव्याने निर्माण झालेल्या आवडीमुळे परदेशातून मागणी वाढत आहे, ज्यात मनोरंजन कंपनी ‘लाइव्ह नेशन’च्या ‘सिटी पॉप वेव्ह्स’ मालिकेचा भाग म्हणून अमेरिकेतील आगामी कार्यक्रमांचा समावेश आहे: न्यूयॉर्कमध्ये एक आणि लॉस एंजेलिसमध्ये दोन. ती सांगते की, जॅझ-फ्यूजन गिटारवादक मासायोशी ताकानाका — जो तिचा जुना सहकारी आणि मित्र आहे, ज्याला जपानच्या बबल-युगातील संगीतातील आवडीचा फायदाही झाला आहे — या मैफिलींसाठी तिची शिफारस केली, ज्यांची तिकिटे जवळजवळ लगेचच विकली गेली.
“मी माझ्या बँडसोबत काळजीपूर्वक सराव करत आहे, आणि माझे परदेशी चाहते नेहमी ऐकत असलेल्या गाण्यांची एक सेटलिस्ट तयार करत आहे,” ती म्हणते. “मला त्यावेळचे वातावरण जपायचे आहे, त्याचबरोबर तो सूक्ष्म भावही सादर करायचा आहे जो मी आताच व्यक्त करू शकते. मला एक शानदार पार्टी करायची आहे!”
मात्र, अन्रीचा आंतरराष्ट्रीय प्रभाव केवळ शहरी पॉपच्या आठवणींपुरता मर्यादित नाही. स्ट्रीमिंगने संगीताच्या सीमा पुसून टाकण्याच्या खूप आधीच, तिने जपान आणि अमेरिका यांच्यात सहजपणे प्रवास करणारी कारकीर्द घडवायला सुरुवात केली होती. तिने तिच्या पहिल्या अल्बमपासून अमेरिकेत रेकॉर्डिंगला सुरुवात केली आणि नंतर सुमारे २००० साली लॉस एंजेलिसला स्थलांतरित झाली. १९८७ मध्ये, हवाईमध्ये एक योग्य कार्यक्रम सादर करणारी ती पहिली जपानी कलाकार ठरली, ज्यामुळे अराशी ते अडो आणि फ्रुट्स झिपर यांसारख्या कलाकारांनी पुढे अवलंबलेल्या मार्गाची स्थापना झाली.
तिच्या सर्वात मोठ्या हिट गाण्याने आधुनिक जपानी पॉपच्या आता सामान्य झालेल्या एका वैशिष्ट्याची नांदीही दिली. “कॅट्स आय” हे १९८३ च्या त्याच नावाच्या ॲनिमेचे ओपनिंग थीम म्हणून वापरले गेले, ज्यामुळे अन्री ॲनिमेच्या माध्यमातून मोठे यश मिळवणाऱ्या सुरुवातीच्या प्रस्थापित जपानी पॉप स्टार्सपैकी एक बनली. आजही, ॲनिमे हे जपानच्या सर्वात शक्तिशाली संगीत निर्यात माध्यमांपैकी एक आहे. अन्री तिथे अनेक दशके आधीच पोहोचली होती.
तिच्या अमेरिकेतील कार्यक्रमांच्या काही आठवड्यांपूर्वीच, अन्रीने ‘द जपान टाइम्स’ला इंग्रजी भाषेतील प्रकाशनासाठी तिची पहिली मुलाखत दिली. एका तासाच्या कालावधीत, तिने सिटी पॉप, कलात्मक दबाव, वयाच्या १६ व्या वर्षी अमेरिकेत रेकॉर्डिंग करणे आणि आता जवळपास पाच दशके पूर्ण होत असलेल्या कारकिर्दीला ऑनलाइन अनपेक्षितपणे नवीन श्रोतावर्ग कसा मिळाला यावर विचारमंथन केले.
जगभरातील तरुण श्रोते तुमचे संगीत पुन्हा शोधत आहेत, हे तुमच्या पहिल्यांदा कधी लक्षात आले?
मला वैयक्तिकरित्या याची खरी जाणीव २०२३ मध्ये झाली, जेव्हा मला लॉस एंजेलिसमध्ये एका कार्यक्रमासाठी आमंत्रित करण्यात आले होते. मी सुमारे ४० मिनिटांचा कार्यक्रम सादर केला आणि मला खरोखरच आश्चर्य वाटले की सुमारे ९०% श्रोते त्यांच्या विशीतले होते. मला इतके आश्चर्य वाटले की, मी याची कधी कल्पनाही करू शकले नसते. या वर्षी मी माझ्या पदार्पणाला ४८ वर्षे पूर्ण झाल्याचा आनंद साजरा करत आहे.
अभिनंदन.
त्यावेळी तुमचा जन्म झाला नव्हता, बरोबर?
नाही!
हो, तुम्ही लोक मला कसे ओळखता? [हसते] तर, मी लोकांना विचारले, आणि ते म्हणाले की मित्रांनी त्यांना याची शिफारस केली होती, किंवा सीमा आता गैरलागू झाल्या आहेत. जपान आणि इतर देशांमधून माहिती आता मुक्तपणे प्रवाहित होते.
या सगळ्याआधी, असा कधी काळ होता का, जेव्हा तुम्हाला वाटलं की, “अरे, मी हे परदेशात घेऊन जायला हवं?”
माझा पहिला अल्बम “ॲनरी: ॲप्रिकॉट जॅम” मी वयाच्या १६ व्या वर्षी अमेरिकेत रेकॉर्ड केला. पण त्याआधीही, मी सर्व प्रकारचं संगीत ऐकत होतो — जपानी कायोक्योकू (प्रसिद्ध गाणी) आणि सर्व प्रकारचं पाश्चात्य संगीत. द ईगल्स आणि द बी गीज यांच्यासारखं अमेरिकन संगीत, आणि जगभरातील संगीत. असे अनेक कलाकार होते जे मला खूप आवडायचे. आणि मला वाटतं की त्यातूनच एक प्रकारची ओढ, एक महत्त्वाकांक्षा निर्माण झाली. वयाच्या १६ व्या वर्षी अमेरिकेत रेकॉर्डिंग केल्यामुळे मला वाटू लागलं की, एक दिवस मला माझ्या संगीताचं काहीतरी तिथे करायचं आहे.
इतक्या लहान वयात अमेरिकेत रेकॉर्डिंग करण्याबद्दल तुम्हाला काय आठवतं?
मी ए अँड एम स्टुडिओमध्ये रेकॉर्डिंग केलं, जो एक खूप प्रसिद्ध स्टुडिओ होता. द कारपेंटर्स, बिली जोएल आणि मी ऐकत असलेल्या इतर अनेक लोकांनी तिथे रेकॉर्डिंग केलं होतं. त्यांची नावं बाहेरच्या पार्किंगच्या जागांवर लिहिलेली होती. तो स्टुडिओ खूप मोठा होता आणि त्या काळात सगळं काही टेपवर रेकॉर्ड होत असल्यामुळे, एक गाणं रेकॉर्ड करायला सुद्धा खूप वेळ लागायचा. आजच्या कॉम्प्युटरसारखं ते नाही. आता सगळं काही खूप वेगाने होतं. त्यामुळे मी, वयाच्या १६ व्या वर्षी, तांत्रिकदृष्ट्याही खूप काही शिकत होतो.
जेव्हा कधी मला थोडा मोकळा वेळ मिळायचा, तेव्हा मी एखाद्या पर्यटकासारखा स्टुडिओमध्ये फिरायचो [हसतो]. एके दिवशी मी ऐकलं की शेजारच्या बूथमध्ये द कारपेंटर्स रेकॉर्डिंग करत आहेत. म्हणून मी बाहेरच्या ‘डू नॉट डिस्टर्ब’ (व्यत्यय आणू नका) पाटीजवळ घुटमळत राहिलो. आतून एक माणूस म्हणाला, “आत या.” त्यावेळी कॅरेन तिथे नव्हती, पण मला वाटतं की रिचर्ड तिथे एका प्रोड्युसरसोबत गिटार ओव्हरडब्स करत होता. मी १६ वर्षांचा एक मुलगा होतो जो कर्मचाऱ्यांमध्ये सहजच शिरला होता. मी म्हणालो, “मी जपानहून आलो आहे,” आणि [हसतो] अरे देवा, मी तर पूर्णपणे गोठूनच गेलो.
मला वाटतं बहुतेक लोक असेच झाले असते!
मी तिथे किती मिनिटं थांबलो हे मला माहीत नाही. आणि मग शेवटी, मला तिथून निघावं लागलं कारण मला माझं रेकॉर्डिंग करायला जायचं होतं. म्हणून मी म्हणालो, “डोमो अरिगातो गोझाइमाशिता” (खूप खूप धन्यवाद), आणि निघून गेलो. बाहेर फोनच्या बाजूला एक सोफा होता — आणि कॅरेन कारपेंटर तिथेच फोनवर बोलत होत्या! मी सगळ्यांना सांगायला सरळ परत धावत गेलो. त्यांनाही बघायचं होतं, पण आम्हाला काम सुरू करायचं होतं.
मला हेही आठवतंय की मी हात धुवायला गेलो होतो. तिथे फक्त एकच सिंक होतं. आणि त्यावेळी तिथे कोणीतरी होतं — मिनी रिपर्टन, मला वाटतं. ती सिंकजवळ होती, ती हसत नव्हती, तिच्या चेहऱ्यावर खूप गंभीर भाव होते. खरं तर, कॅरेनला फोनवर बोलताना पाहिल्यावर तिच्या चेहऱ्यावरही तसेच भाव होते. ती बोलता बोलता खूप गंभीर दिसत होती. आणि एका रेस्टॉरंटमध्ये मला जोनी मिशेलला भेटण्याची संधी मिळाली, तेव्हाही असंच वाटलं. इंडस्ट्रीमध्ये प्रत्येकजण गंभीर वाटत होता. काही वर्षांनंतर, स्टुडिओमध्ये मला स्वतःलाही अगदी तसंच वाटलं.
असं का होतं?
संगीताचा व्यवसाय सोपा नाही. त्यात खूप दबाव असतो. रेकॉर्डिंगला सुद्धा खूप वेळ लागतो. रेकॉर्डिंग झाल्यावर तुम्हाला ते करावं लागतं. माझ्यावर खूप ताण होता आणि खूप गोष्टी करायच्या होत्या. मला वाटतं की प्रत्येकावर कोणत्या ना कोणत्या प्रकारचा दबाव असतोच.
त्यामुळे नंतर, जेव्हा मी पुन्हा रेकॉर्डिंगसाठी अमेरिकेत परत आले, तेव्हा श्वास घेता येत नसल्यामुळे मी कधीकधी दुसऱ्या खोलीत जाऊन थोडा वेळ नुसती पडून राहायचे. आणि, तुम्हाला माहीत आहे, या सगळ्या गोष्टींवर मात केल्यामुळेच मी आज जिथे आहे तिथे पोहोचले आहे. त्या वेळी मी स्वतःला आव्हान देत होते, अशा गोष्टी करत होते ज्या जपानी कलाकारांनी अजून केल्या नव्हत्या. मी कोणाचीही नक्कल करत नव्हते, नेहमी काहीतरी नवीन करण्याचा प्रयत्न करत होते. मी ऐकिची याझावा यांच्याकडून प्रेरित झालो, जे एक जागतिक रॉक स्टार बनण्याच्या ध्येयाने लंडन आणि अमेरिकेला गेले होते. मला त्यांच्याबद्दल खूप आदर आहे आणि त्यामुळे मला प्रेरणा मिळाली.
तुमचा तोशिकी कादोमात्सु यांच्याशी पहिला संपर्क कसा झाला?
तोशिकी तेव्हा माझ्या नियमित एफएम रेडिओ कार्यक्रमात पाहुणे म्हणून आले होते आणि त्यांनी सांगितले की ते त्यांच्या मॅनेजमेंटसोबत एका पेचप्रसंगात अडकले होते. त्यांना अडकल्यासारखे वाटत होते. म्हणून मी म्हणालो, ठीक आहे, मी ज्या कंपनीत (मार्मालेड) होतो, त्यांच्या अध्यक्षांशी तुमची ओळख करून देतो. मी संपर्क साधला, आम्ही एकमेकांचे नंबर घेतले आणि अखेरीस ते माझ्या एजन्सीमध्ये सामील झाले. आणि ते एक ध्येय बनले: चला एकत्र संगीत तयार करूया. ते खऱ्या प्रतिभेसह एक उत्कृष्ट वादक होते, पण आम्ही एकत्र काम केल्यास ते कसे वाजेल हे आम्हा दोघांनाही अजून माहीत नव्हते.
मी त्यांना माझ्या ‘हेवन बीच’ (१९८२) या अल्बमसाठी काहीतरी लिहिण्यास सांगितले आणि त्यातूनच ‘फ्लाय बाय डे’ आणि इतर गाणी तयार झाली. ते चांगलं झालं, आणि पुढच्या ‘बिकिनी’ (१९८३) या अल्बममधील अर्धी गाणी कादोमात्सु-सान यांनी लिहिली होती आणि उरलेली ताकेशी कोबायाशी नावाच्या गीतकाराने. कोबायाशीसुद्धा खूप प्रतिभावान व्यक्ती आहेत, त्यामुळे साहजिकच सर्वांना ते हवे होते, आणि ते ‘सदर्न ऑल स्टार्स’सारख्या इतर कलाकारांसोबत काम करण्यासाठी पुढे निघून गेले. पण कादोमात्सु-सान एक मित्र म्हणून, आमच्या सामाजिक वर्तुळाचा एक सदस्य म्हणून राहिले.
त्यावेळी मी संपूर्ण अल्बम कादोमात्सु-सान यांच्याकडे सोपवण्याचा निर्णय घेतला. मला वाटत होतं की त्यांनीच तो संपूर्ण अल्बम प्रोड्यूस करावा. आणि तो प्रदर्शित झाला आणि प्रचंड यशस्वी ठरला.
तो होता १९८३ सालचा “टाईमली!!”, जो केवळ जपानमध्येच प्रचंड गाजला नाही, तर तेव्हापासून अनेक तरुण श्रोत्यांना तो अल्बम खूप आवडतो. तो बनवताना तुम्हाला काय आठवतं?
ते खूप रोमांचक होतं आणि त्याचं कारण असं की, तोपर्यंत मी कादोमात्सु-सान यांच्याकडून माझ्यासाठी काही गाणी लिहून घेतली होती, पण ही पहिलीच वेळ होती जेव्हा मी त्यांना संपूर्ण अल्बम करायला सांगितला होता. त्याआधी ते त्यांच्या स्वतःच्या अल्बम्सवर काम करत होते. आणि एका अर्थाने, मला वाटतं की आम्हा दोघांनाही अजून आमचं पूर्ण स्वरूप सापडलं नव्हतं. आनरी आणि कादोमात्सु-सान दोघांनीही अजून असं काही बनवलं नव्हतं जे खऱ्या अर्थाने पूर्ण झाल्यासारखं वाटेल.
आणि मग त्या सहकार्यातून, “टाईमली!!” संपूर्णपणे त्यांच्या हवाली केल्यामुळे, मला वाटतं की त्यांना खऱ्या अर्थाने स्वतःची ओळख मिळाली. तोपर्यंत मी आणि ते ज्या गोष्टींसाठी मेहनत घेत होतो, त्या सर्व “टाईमली!!” मध्ये एकत्र आल्या.
तुमच्या पदार्पणापासून ते “टाईमली!!” पर्यंत तुमच्या आवाजाशी असलेलं तुमचं नातं कसं बदललं?
माझ्या पदार्पणाच्या वेळी, व्यावसायिक गायिका बनण्याचा माझा खरंतर कधीच हेतू नव्हता. खरंच?
आम्ही फक्त फॅमिली कराओके करायचो [हसते], आणि मग आम्हाला एक दुसरं कुटुंब माहीत झालं, ज्यांचा मुलगा मनोरंजन क्षेत्रात काम करत होता. त्याला कराओकेबद्दल माहीत होतं, आणि मी पियानो वाजवते हेही माहीत होतं, आणि मला संगीत खूप आवडतं हेही माहीत होतं. आणि बघता बघता, एक रेकॉर्ड कंपनी यात सामील झाली आणि कसं तरी माझ्या पदार्पणासाठी सगळं काही तयार झालं [हसते].
त्यामुळे माझी गायनशैली अजूनही खूप अपरिपक्व होती. माझं नाव अर्थातच “ॲनरी” होतं, पण तुम्ही आता माझा पदार्पणाचा अल्बम ऐकलात, तर तुम्हाला त्यात ती गोष्ट ऐकू येणार नाही, जी स्पष्टपणे “ॲनरी”ची आहे. खरं सांगायचं तर, मला वाटतं की तो खूप अपूर्ण वाटतो.
हो, आता कुठे लोक म्हणतात, “ही ॲनरी आहे.” माझी गायनशैली विशेषतः कादोमात्सु-सान यांच्यासोबत काम केल्यामुळे विकसित झाली. त्यांच्या चालींमधून आणि त्यांच्या संगीताच्या रचनेमधून, ते जे काही तयार करत होते त्याच्याशी जुळेल अशा पद्धतीने कसं गायचं याचा मी अभ्यास केला आणि विचार केला. त्यांच्याच चालींमुळे मी आज जसं गाते तसं गाऊ लागले.
अर्थातच, जसजसे तुमचे वय वाढत जाते, तसतसे तुमच्या गाण्याच्या पद्धतीत सतत बदल होत जातो. तुम्हाला प्रयत्न करत राहावे लागते. तुमचे खरे स्वरूप काय आहे, हे तुम्हाला कालांतराने समजू लागते. पण सर्वात महत्त्वाची गोष्ट म्हणजे आवाज. त्याचा सूर, त्याची गुणवत्ता. कारण आवाजावरून एखादे पात्र ओळखता येते. जॅनेट जॅक्सनच्या बाबतीत जसे, ती जॅनेट आहे हे तुम्ही लगेच ओळखू शकता. आणि ‘ॲनरी’ हे गाणे लोकांनी ऐकताच ओळखावे, यासाठी वेळ लागला.
वेळेवर!!” याची सुरुवात तुमच्या ‘कॅट्स आय’ या गाण्याने होते, जे त्याच नावाच्या ॲनिमेचे थीम साँग होते आणि प्रचंड गाजले. मी वाचलं आहे की, ॲनिमेवर आधारित गाणं करण्याबद्दल तुम्ही सुरुवातीला साशंक होता.
मी एक पॉप स्टार होते, आणि मला ज्या गोष्टी करायच्या होत्या, त्या मला करायच्या होत्या. त्या क्षणापर्यंत, मी माझं स्वतःचं संगीत प्रस्थापित करण्यासाठी प्रचंड मेहनत घेत होते. आणि त्या वेळी, ‘ॲनिमे गाणी’ हा एक पूर्णपणे वेगळा प्रकार होता. ही एक गंमतीची गोष्ट आहे, कारण आता प्रत्येकाला ॲनिमे गाणी करायची आहेत.
त्यामुळे इतक्या वर्षांच्या प्रयत्नांनंतर, त्या जगात पाऊल ठेवण्याच्या कल्पनेला मी आंतरिकरित्या कसं हाताळावं हे मला कळत नव्हतं. एक प्रकारची भीती होती. कारण, तुम्हाला माहीत आहे, जेव्हा तुमची एक खूप प्रभावी प्रतिमा समोर येते — कशातही — तेव्हा प्रत्येकजण तिच्याशी जोडला जातो, तिथेच अडकून पडतो, आणि तुम्हाला ठरवावं लागतं की त्यापासून दूर जायचं की तिथेच राहायचं.
त्यामुळे ती भावना होती — की मी ॲनिमे गाणी करण्याच्या दिशेने काम करत नव्हते. मी संगीत क्षेत्रात त्यासाठी धडपडत नव्हते.
पण तुम्हाला माहीत आहे, ते एक खरंच अप्रतिम ॲनिमे, आणि ते गाणं खूपच पॉप होतं, आणि खरंच एक खूप चांगलं गाणं होतं.
‘सिटी पॉप’ ही संज्ञा १९८० च्या दशकात खरंच वापरली जात होती का?
‘सिटी पॉप’ ही संज्ञा मी फारशी ऐकल्याचं मला आठवत नाही. मला नुकतंच कळलं की त्या काळात ही संज्ञा अस्तित्वात होती. मला ‘न्यू म्युझिक’ किंवा ‘पॉप्स’ अधिक स्पष्टपणे आठवतात. उलट, माझा असा समज आहे की प्रत्येक व्यक्ती त्या वेळी त्यांना सोयीस्कर वाटणारा आवाज मुक्तपणे व्यक्त करत होती. हे खूप आश्चर्यकारक आहे, पण तितकंच समाधानकारकही आहे, की नंतर याचं ‘सिटी पॉप’ म्हणून पुनर्मूल्यांकन झालं आणि ते एका नवीन स्वरूपात अनेक लोकांपर्यंत पोहोचलं. मला वाटतं की त्या काळातील सहज निवडी आणि जाणिवांमुळेच आपण आज जिथे आहोत तिथे पोहोचलो आहोत.
परदेशात सिटी पॉप कलाकार म्हणून ओळखले जाण्याबद्दल तुम्हाला कसं वाटतं?
ठीक आहे, सिटी पॉप ठीक आहे, तुम्हाला माहीत आहे ना? ते चालतं. पण माझ्या ४८ वर्षांच्या कारकिर्दीत, मी प्रत्येक प्रकारचं संगीत केलं आहे. आणि त्या सर्वांचा परिपाक म्हणून, सिटी पॉप — किंवा ‘अर्ली सिटी पॉप’ — हे लेबल मला मिळालं आहे. ठीक आहे. इतर कलाकारांनीही अनेक वेगवेगळ्या गोष्टी केल्या आहेत. सिटी पॉप हे सर्वात समजण्याजोगं आणि सहज उपलब्ध होणारं संगीत प्रकाराचं नाव आहे. त्यामुळे मला ती संज्ञा आवडते.
२०२३ मध्ये, मी लॉस एंजेलिसमध्ये कार्यक्रम केला होता, बरोबर? आणि कार्यक्रमानंतर मला प्रेक्षकांमधील प्रत्येकाला भेटायला मिळालं. आणि त्यांच्यापैकी बऱ्याच जणांनी “टाईमली!!” आणला होता, पण त्याचबरोबर (१९८८ चा) “बुगी वुगी मेनलँड” सुद्धा आणला होता. आणि त्यांच्याकडे इतर अल्बमसुद्धा होते! ते त्यांच्या हाती लागले तरी कसे? त्यांना स्वतःलाही माहीत नसावं असं वाटत होतं. प्रत्येकजण आपापल्या कामात व्यस्त आहे, इकडेतिकडे क्लिक करून, कसेतरी ते शोधून, विकत घेऊन, माझ्या सहीसाठी आणत आहे.
खरोखर चांगलं संगीत लोकांना आनंद देतं. आता जगात जे काही चाललं आहे, त्या परिस्थितीतही संगीत कोणालाही कधीच दुःखी करणार नाही.